Donald Zolan, talentoso artista que comenzó a dibujar a la edad de tres años, y, por la edad de cinco años, estaba trabajando en acuarelas y ganó concursos locales. Ganó su primera gran competencia de arte a la edad de trece y le otorgaron una beca para el prestigioso Instituto de Arte de Chicago. A los dieciséis, ganó otra beca en la Academia Americana de Arte de Chicago. las pinturas de los niños.A tiempo completo de formación se inició después de la escuela secundaria con una beca completa para la Academia de Bellas Artes.
Su dedicación es la captura de momentos mágicos de la infancia.
Continúa leyendo…

En sus propias palabras, Zolan expresa su amor a los niños, “Me encantan los niños pequeños, la forma en que sus ojos se iluminan, con el entusiasmo que despiertan en el mundo alrededor de ellos. Es un maravilloso tiempo de vida, lleno de asombro. Un momento en el que cada nuevo descubrimiento es otro momento mágico”.
Este amor y  alegría se refleja en sus obras con su increíble talento.

Zé Cordeiro, nació el 22 de noviembre de 1942 en San Pablo-Brasil, hoy reside en Portugal. Es un exponente del realismo latino americano, satírico y humorista, trágico y dramático, donde la figura humana se destaca particularmente con sus expresiones populares.
Es una pintura que impresiona por su extrema sensibilidad, tiene una original forma de ver. Transmite en sus obras una intensa alegría de vivir. Las imágenes presentan tonalidades fuertes. Vence al tiempo por el valor de su arte y por la carga de humanidad de los personajes que retrata.
Cordeiro tiene una sólida carrera y mucha historia para contar, convivió con grandes artistas.
Expuso en Brasil, Chile, Portugal, USA, Italia, Canadá, Francia Alemania, Inglaterra, España, finlandia y Luxemburgo.

Imágenes

Marc Chagall, nació en el año 1887, en la ciudad de Vitebsk. Diseñador y pintor surrealista. Su obra se caracteriza por su fantasía, humor y su uso singular del color y la forma. Su pintura fue influenciada por la combinación del expresionismo y el cubismo. Decoró varias producciones teatrales y pintó numerosos murales.

Sus obras evocan escenas de su propia vida y de la comunidad judía. Inauguró en el año 1973 el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa. Chagall también ilustró obras literarias y de fábulas.
Decoró con su pintura uno de los techos de la Opera de Paris y el vestíbulo del Metropolitan Opera House de New York con dos grandes murales.
Muere en el sur de Francia en Saint Paul de Vence con 86 años.

]]> http://www.bienaldearte.com/2008/07/879/feed/ 1 http://www.bienaldearte.com/2008/06/umberto-boccioni/ http://www.bienaldearte.com/2008/06/umberto-boccioni/#comments Wed, 11 Jun 2008 22:02:18 +0000 correo http://www.bienaldearte.com/2008/06/859/ Tweet

Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.

Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.

Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.

Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.

Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.

Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.

Xul Solar, su verdadero nombre era Oscar  Agustín Alejandro Schultz Solari , nació en el año 1887 en la ciudad de Buenos Aires-Argentina.  De joven a la edad de 24 años viaja a Europa donde se empapa de la cultura vanguardista artística, de lo cual saca su propio estilo. Se acogió a los movimientos del cubismo, futurismo, fauvismo, surrealismo y expresionismo.

En sus obras aduce el ámbito de fábula, con símbolos oníricos, la firmeza del color y de curiosas figuras.
Era un lector de todas las materias, Jorge Luis Borges lo definió literalmente: Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”.

Su obra trasmite un mensaje esotérico, de sabiduría hermética, de inocencia y también irónica. Fue un artista visionario.
El artista falleció el 9 de abril del 1963, en su casa del Tigre, sobre el río, donde había instalado su taller, diseñado por él. Hasta sus últimos días, continuó pintando.

Peter Doig, nació en Edimburgo en 1959, pero se crió en Canadá. Durante los años 1980 al 1983 estuvo en Londres estudiando en St Martin’s School of Art. Luego regresó a Canadá para seguir estudiando en King’s Cross y nuevamente en el 1989, regresa a Londres al Chelsea School of Art. Un gran avance en su propia práctica de la escena artística de Londres, a principios del decenio de 1990.

Doig ha desafiado su propio enfoque de la pintura y de la toma de imagen. Las obras sobre papel muestran la evolución imprevisible de sus temas y composiciones, y en la forma en que los temas aparecen y reaparecen. Su pintura a través de dos décadas, llega hasta la fecha con una selección de los nuevos trabajos de su estudio en Trinidad, donde ha vivido desde 2002.

Su obra conceptualmente se basa en una variedad de artistas de la historia del arte, como , Claude Monet, Edgard Munich y klimt.
Ha creado pinturas al óleo de paisajes, temas románticos y de carácter vernáculo.
Utiliza inusuales combinaciones de colores y representa escenas de ángulos inesperados, todos contribuyendo a dar un realismo mágico.

La fuerza del expresionismo americano

Es uno de lso artistas preeminentes del siglo XX. Su obra es deudora de la rica herencia del arte expresionista que lo vincula a artistas como Van Gogh, Chaim Soutine y Francis Bacon. Durante su carrera artística que se extiende a siete décadas. De Kooning reflejó en pinturas profundamente conmovedoras y muchas veces inquietantes, la fé que tenía en el arte como forma de vida.
Hoy en día este artista norteamericanao es reconocido como pionero del arte abstracto y precursor del movimiento de posguerra que se conoce como Expresionismo abstracto, fundado en Nueva York y basado en la libertad artística y el poder expresivo de la abstracción.

Durante varias décadas se discutió acerca de la existencia de un arte propio de Latinoamérica, con una identidad concreta, como la que se atribuye al “arte europeo” o al “arte americano” (referido a los EEUU).
Latinoamérica no se define por una sola imagen. Desde México a la Argentina, durante las primeras décadas del siglo XX, cuando ya existía una situación histórica que nos desvinculaba políticamente del continente europeo, también nos encontramos frente a un hito que marcaría el desarrollo de una de las vanguardias más importantes de América Latina: la revolución mexicana.

Durante la década del 20 aparecen dos grandes corrientes. En México, nacen los “muralistas”, cuyos mayores exponentes son José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Siqueiros y en el Río de la Plata, tres artistas exponen (entre 1924 y 1925) sus obras con críticas encontradas: Pedro Figari, Emilio Pettoruti y Xul Solar.
En el transcurso de las décadas del 20, 30 y 40 madura en América Latina una extraordinaria gama de artistas y movimientos que la ubica entre las vanguardias del mundo. Incluso la influencia de algunos latinoamericanos se hace sentir en el arte de vanguardia europeo y americano.

No se puede dudar entonces de la existencia de un lenguaje propio, de una imagen particular. Sin embargo, es necesario tener presente que ésta no es única ya que, si se toma como ejemplo a los artistas que significaron hitos en la historia del arte, se confirma su disparidad de propuestas estéticas.
Así, el uruguayo Pedro Figari con su “Lamento” (sin fecha) apela a un recurso técnico, el de sus trabajos al óleo sobre cartón, para devolvernos con generosidad los recuerdos de una tierra que combina lo colonial con el paisaje y sus personajes pintorescos.

El argentino Emilio Pettoruti -en las antípodas de lo pintoresco o lo folklórico- con su obra “Mi arlequín” (1927) define, después de sus años de formación europea, lo que sería su lenguaje particular donde el cubismo y el futurismo conforman los rasgos más notables.
Wilfredo Lam, el artista cubano que desarrollaría una carrera importante también en Europa, marca desde el surrealismo un acontecimiento importante. Sus protagonistas siempre están vinculados a los mitos e historias caribeñas, donde el encuentro de la cultura europea y la africana brindó a este artista su principal fuente de inspiración.

Rufino Tamayo, el mexicano que no pertenece al grupo de los muralistas, se destacó por sus exquisitos óleos, cuyos temas simples cautivaron siempre a los amantes de la buena pintura. Su obra más representativa es del año 1951 y se titula “Melones”.
Por último, bastan dos obras del brasileño Cándido Portinari -”Os retirantes” (1954) y “El gran árbol” (1959)- para confirmar los cambios que muchas veces nuestros artistas evidenciaron en sus trayectorias.

El arte latinoamericano tiene su historia, su desarrollo y sus protagonistas. Abordar su estudio es apasionante, ya que el recorrido país por país enriquece la visión y la comprensión de un continente fértil en expresiones culturales. Su riqueza no sólo pasa por una cantidad de buenas obras, sino por el descubrimiento de un universo complejo donde se unen los aportes de diferentes culturas: la aborigen, la europea y la africana.