Marc Chagall, nació en el año 1887, en la ciudad de Vitebsk. Diseñador y pintor surrealista. Su obra se caracteriza por su fantasía, humor y su uso singular del color y la forma. Su pintura fue influenciada por la combinación del expresionismo y el cubismo. Decoró varias producciones teatrales y pintó numerosos murales.

Sus obras evocan escenas de su propia vida y de la comunidad judía. Inauguró en el año 1973 el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa. Chagall también ilustró obras literarias y de fábulas.
Decoró con su pintura uno de los techos de la Opera de Paris y el vestíbulo del Metropolitan Opera House de New York con dos grandes murales.
Muere en el sur de Francia en Saint Paul de Vence con 86 años.

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Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.

Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.

Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.

Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.

Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.

Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.

Xul Solar, su verdadero nombre era Oscar  Agustín Alejandro Schultz Solari , nació en el año 1887 en la ciudad de Buenos Aires-Argentina.  De joven a la edad de 24 años viaja a Europa donde se empapa de la cultura vanguardista artística, de lo cual saca su propio estilo. Se acogió a los movimientos del cubismo, futurismo, fauvismo, surrealismo y expresionismo.

En sus obras aduce el ámbito de fábula, con símbolos oníricos, la firmeza del color y de curiosas figuras.
Era un lector de todas las materias, Jorge Luis Borges lo definió literalmente: Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”.

Su obra trasmite un mensaje esotérico, de sabiduría hermética, de inocencia y también irónica. Fue un artista visionario.
El artista falleció el 9 de abril del 1963, en su casa del Tigre, sobre el río, donde había instalado su taller, diseñado por él. Hasta sus últimos días, continuó pintando.

El creador del cubismo, nace en la ciudad de Málaga en el año 1881, un genio de la pintura contemporánea Pablo Ruiz Picasso. Un gran creador. Su padre fue profesor de dibujo. En su infancia la familia de Picasso se traslada a la Coruña y luego a Barcelona, y es en esta última ciudad donde de joven inicia sus estudios académicos, conoce gente de arte moderno que le hacen cambiar su forma de expresión. En el año 1900 viaja a Francia a su capital París, que era el sueño de Pablo Picasso, era su meta, pasa un pequeño tiempo.

Luego regresa a Barcelona y comienza a trabajar en sus pinturas, en donde se observa la influencia de todos los artistas que ha conocido. Está buscando un estilo propio, personal. Durante los años 1901 y 1907 se desarrolla la etapa azul y rosa, estas son caracterizadas por la temática de figuras aisladas, sórdidas, de pena y sufrimiento.

Al ver que el siglo XX está influenciado por los cambios, se interesa por la obra de Cezanne y de ahí, junto con su amigo Brague, nace el cubismo. En 1912 comienza a practicar con el collage en la pintura, y es en ese preciso momento que su imaginación y creatividad se adueña de él. Pablo Picasso es un revolucionario del arte.

Cuando los artistas se empiezan a intentar con el cubismo, el se interesa por el clasicismo. Así pasará un tiempo alternando de una a otra. En 1925 el surrealismo, le sirve de ruptura con lo anterior, e introduce en su obra figuras distorsionadas. A Picasso la situación personal y social le influye mucho, al momento de canalizar su arte. Era un hombre que de la manera en que se dedicaba a crear, era para su vida personal con las mujeres, tenía relaciones tumultuosas.

Lo afectó mucho la Guerrra Civil Española y el bombardeo a Guernica, eso provoca la obra más famosa, en la cual critica la guerra y sin razón que lleva un enfrentamiento armado como es la guerra. Sus útimos años vivió en el sur de Francia, a pesar que Paris era su refugio. En este perí¬odo su estilo era más personal, más colorido y de formas extrañas. Demostró su creatividad hasta sus últimos días. Fallece en Mougins en el año 1973.

Uno de los pintores más destacados de la escena artística argentina de principios y mediados del siglo XX.
Nació en La Plata el 1º de octubre de 1892.
Luego de realizar algunas muestras en su ciudad natal, se embarca en el año 1913 rumbo a Italia.

Llega a Venecia con sus veinte años recién cumplidos; allí rápidamente toma contacto con la vanguardia artística italiana, los jóvenes artistas y el ya famoso Marinetti, autor cuatro años antes del célebre ” Manifiesto del Futurismo “.

Durante su estancia en Milán, descubre un movimiento artístico que lo deslumbra y se suma a sus filas, los futuristas, con quienes realiza varias exposiciones. En París, traba amistad con Juan Gris y otros artistas de su generación. De regreso a su país en 1924, realiza una exposición en la tradicional Galería Witcomb en Bs. As., causando una verdadera conmoción entre  la crítica y en el público.

La obra presentada en aquella oportunidad contenía toda la sabiduría del renacimiento italiano junto a un lenguaje de vanguardia que abrevaba en el nuevo concepto cubista y futurista imperante.Con el correr de los años, Pettoruti se esfuerza por hacer conocer el arte de vanguardia a través de conferencias, revistas, diarios y frecuentes exposiciones.A fines de 1927 es nombrado Director del Museo Provincial de Bellas Artes de la ciudad que lo vio nacer.

En 1940 Amigos del Arte de Buenos Aires organizan la primer muestra retrospectiva de Pettoruti, muchas de las obras antaño criticadas cruelmente son ahora admiradas por el público y la crítica.

Durante 1944 pasa ocho meses recorriendo museos y universidades de los Estados Unidos invitado por el Comitee for Interamerican Artistic and Intellectual Relations Expone en el San Francisco Museum of Art y otros museos de los Estados Unidos.

Regresa en 1952 a Europa, luego de haber expuesto en 1950 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Expone en Milán y en Florencia luego de casi treinta años de ausencia.

Continúa exponiendo en años sucesivos; en 1953 en Roma, en 1954 en París, junto con Latour, Masson y Miró.En 1964 comienza a escribir sus memorias que publicará en 1966 con el título ” Un pintor ante el espejo”.

El 16 de octubre de 1971, muere en París.

Durante varias décadas se discutió acerca de la existencia de un arte propio de Latinoamérica, con una identidad concreta, como la que se atribuye al “arte europeo” o al “arte americano” (referido a los EEUU).
Latinoamérica no se define por una sola imagen. Desde México a la Argentina, durante las primeras décadas del siglo XX, cuando ya existía una situación histórica que nos desvinculaba políticamente del continente europeo, también nos encontramos frente a un hito que marcaría el desarrollo de una de las vanguardias más importantes de América Latina: la revolución mexicana.

Durante la década del 20 aparecen dos grandes corrientes. En México, nacen los “muralistas”, cuyos mayores exponentes son José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Siqueiros y en el Río de la Plata, tres artistas exponen (entre 1924 y 1925) sus obras con críticas encontradas: Pedro Figari, Emilio Pettoruti y Xul Solar.
En el transcurso de las décadas del 20, 30 y 40 madura en América Latina una extraordinaria gama de artistas y movimientos que la ubica entre las vanguardias del mundo. Incluso la influencia de algunos latinoamericanos se hace sentir en el arte de vanguardia europeo y americano.

No se puede dudar entonces de la existencia de un lenguaje propio, de una imagen particular. Sin embargo, es necesario tener presente que ésta no es única ya que, si se toma como ejemplo a los artistas que significaron hitos en la historia del arte, se confirma su disparidad de propuestas estéticas.
Así, el uruguayo Pedro Figari con su “Lamento” (sin fecha) apela a un recurso técnico, el de sus trabajos al óleo sobre cartón, para devolvernos con generosidad los recuerdos de una tierra que combina lo colonial con el paisaje y sus personajes pintorescos.

El argentino Emilio Pettoruti -en las antípodas de lo pintoresco o lo folklórico- con su obra “Mi arlequín” (1927) define, después de sus años de formación europea, lo que sería su lenguaje particular donde el cubismo y el futurismo conforman los rasgos más notables.
Wilfredo Lam, el artista cubano que desarrollaría una carrera importante también en Europa, marca desde el surrealismo un acontecimiento importante. Sus protagonistas siempre están vinculados a los mitos e historias caribeñas, donde el encuentro de la cultura europea y la africana brindó a este artista su principal fuente de inspiración.

Rufino Tamayo, el mexicano que no pertenece al grupo de los muralistas, se destacó por sus exquisitos óleos, cuyos temas simples cautivaron siempre a los amantes de la buena pintura. Su obra más representativa es del año 1951 y se titula “Melones”.
Por último, bastan dos obras del brasileño Cándido Portinari -”Os retirantes” (1954) y “El gran árbol” (1959)- para confirmar los cambios que muchas veces nuestros artistas evidenciaron en sus trayectorias.

El arte latinoamericano tiene su historia, su desarrollo y sus protagonistas. Abordar su estudio es apasionante, ya que el recorrido país por país enriquece la visión y la comprensión de un continente fértil en expresiones culturales. Su riqueza no sólo pasa por una cantidad de buenas obras, sino por el descubrimiento de un universo complejo donde se unen los aportes de diferentes culturas: la aborigen, la europea y la africana.