Rarindra Prakarsa vive en Jakarta - Indonesia, es un fotógrafo semi-profesional.
Sus fotos parecen cuadros donde el artista escoge los colores y la luminosidad exacta. La mayoría de su obra está realizada en su país, mostrando sus paisajes y su cultura.
La belleza de sus imágenes hablan por si solas. Si les interesa seguir admirando su obra entren aquí.
Susan Cox estudió Bellas Artes en la Universidad de California en Long Beach. Luego se trasladó y residió por 14 años en Inglaterra, donde expuso sus obras en Londres y en Oxfordshire. Actualmente vive en Long Beach.
Susan ha explorado muchos temas, todas se han centrado en captar la belleza y la simplicidad de la luz sobre un tema.
La luz entra en escena en sus naturalezas muertas. Combina la energía de los elementos y captura su estado de ánimo.
Tiene una extraordinaria capacidad para la pintura.
La artista: Siempre he amado crear y he explorado diferentes medios, pero una vez me comprometí con la pintura, me di cuenta que la verdadera alegría viene de los nuevos desafíos que se presentan todos los días. El desafío de hacerlo mejor siempre está ahí y esto es lo que impulsa mi ambición de ser un artista.
Zé Cordeiro, nació el 22 de noviembre de 1942 en San Pablo-Brasil, hoy reside en Portugal. Es un exponente del realismo latino americano, satírico y humorista, trágico y dramático, donde la figura humana se destaca particularmente con sus expresiones populares.
Es una pintura que impresiona por su extrema sensibilidad, tiene una original forma de ver. Transmite en sus obras una intensa alegría de vivir. Las imágenes presentan tonalidades fuertes. Vence al tiempo por el valor de su arte y por la carga de humanidad de los personajes que retrata.
Cordeiro tiene una sólida carrera y mucha historia para contar, convivió con grandes artistas.
Expuso en Brasil, Chile, Portugal, USA, Italia, Canadá, Francia Alemania, Inglaterra, España, finlandia y Luxemburgo.
Las pinturas de Amanda Smith, de acuerdo con su declaración en su sitio web, adopta diversas escenas de películas y compuestos uno encima del otro, es una creación de nuevos y bellos espacios. En la pintura, toma fragmentos de diferentes lugares de una película y lo combina en un solo espacio, es una transferencia del medio ambiente que se presenta en la película que lo comprime en el espacio de una pintura. Las combinaciones de diferentes lugares, ambientes interiores yuxtapuestos a los exteriores, permiten múltiples lugares y momentos que se comparten al mismo tiempo. La disponibilidad de películas y las frecuencias visuales añaden un familiar sentido universal, y permiten que ciertos rasgos comunes se comuniquen de pintura a pintura.
Marc Chagall, nació en el año 1887, en la ciudad de Vitebsk. Diseñador y pintor surrealista. Su obra se caracteriza por su fantasía, humor y su uso singular del color y la forma. Su pintura fue influenciada por la combinación del expresionismo y el cubismo. Decoró varias producciones teatrales y pintó numerosos murales.
Sus obras evocan escenas de su propia vida y de la comunidad judía. Inauguró en el año 1973 el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa. Chagall también ilustró obras literarias y de fábulas.
Decoró con su pintura uno de los techos de la Opera de Paris y el vestíbulo del Metropolitan Opera House de New York con dos grandes murales.
Muere en el sur de Francia en Saint Paul de Vence con 86 años.
Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.
Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.
Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.
Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.
Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.
Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.
Peter Doig, nació en Edimburgo en 1959, pero se crió en Canadá. Durante los años 1980 al 1983 estuvo en Londres estudiando en St Martin’s School of Art. Luego regresó a Canadá para seguir estudiando en King’s Cross y nuevamente en el 1989, regresa a Londres al Chelsea School of Art. Un gran avance en su propia práctica de la escena artística de Londres, a principios del decenio de 1990.
Doig ha desafiado su propio enfoque de la pintura y de la toma de imagen. Las obras sobre papel muestran la evolución imprevisible de sus temas y composiciones, y en la forma en que los temas aparecen y reaparecen. Su pintura a través de dos décadas, llega hasta la fecha con una selección de los nuevos trabajos de su estudio en Trinidad, donde ha vivido desde 2002.
Su obra conceptualmente se basa en una variedad de artistas de la historia del arte, como , Claude Monet, Edgard Munich y klimt.
Ha creado pinturas al óleo de paisajes, temas románticos y de carácter vernáculo.
Utiliza inusuales combinaciones de colores y representa escenas de ángulos inesperados, todos contribuyendo a dar un realismo mágico.
El pintor italiano Giuseppe Arcimboldo (Milán, 1527 - 1593), el más original de todos los pintores del Renacimiento, realmente un genio, creó retratos formados por elementos tales como frutas, animales y objetos, se anticipó a los vanguardistas del siglo XX, como por ejemplo a los surrealistas.
Perteneció a la escuela manierista. Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas redescubrieron el juego visual. Sus obras fueron también fuente de inspiración de Salvador Dalí.
Perteneció a la escuela manierista. Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas redescubrieron el juego visual. Sus obras fueron también fuente de inspiración de Salvador Dalí.
Van Gogh fue una persona muy difícil con respecto a relacionarse con sus pares y también en la parte económica, y en los vínculos amorosos fue un fracasado. Es de ahí que el entendía el arte como una vía de modificar a la sociedad y también como un vehículo de salvación personal. Para el artista la vida le resulta frustrante.
Comienza a pintar en el año 1879, rellenando álbumes copiados del natural. Sobretodo cultivó los temas populares. Tuvo como claro referente a Rembrandt. Por ese tiempo pone de manifiesto la vida cotidiana de los desprotegidos, donde sabe acercarse con dignidad a una situación de abandono social. Sus colores son oscuros, con entornos poco iluminados, con tensiones de luces y sombras.
Su punto de partida es con Daumier, Mollet, Courbet entre otros, pintores franceses realistas.
Durante su viaje a París en el 1886, se siente atraído por el Impresionismo, pero a la vez este descubrimiento, decepciona al artista, porque se da cuenta que su obra no tiene vigencia. Pero es el Impresionismo un estímulo para su cambio, su paleta es más luminosa, se decanta por el retrato y los paisajes naturales. Usa colores puros, con pinceladas con pequeños toques.
Conoce a Bernard y a Lautrec en el Taller de Cormont, donde se inscribe.
Luego se trasladó a Arlés animado por Lautrec, esto era por el año 1888. Aquí haya el equilibrio que tanto buscaba, y conoce a Gauguin. En esta época pintó obras muy conocidas.
Gauguin lo invita a pasar las navidades en su casa y pronto surgieron fricciones y desacuerdos. Luego viene su gran crisis. Van Gogh, cansado de las impertinencias de Gauguin trata de agredirlo con una navaja, y es ahí que se arremete a si mismo, mutilándose su oreja. Es internado en un manicomio de Saint Remy, donde permaneció un año. Jamás dejó de pintar, en este período sus obras denotan sus tensiones y desequilibrios. Pinceladas crispadas y nerviosas, descargan sus nervios.
También por esta época copia a los grandes maestros y a pesar de estar recluido es aquí donde realiza unas de sus obras más importantes.
Luego del manicomio, se trasladó a Auvers, en la casa de un amigo de su hermano.
Aquí pasó sus últimos días, viviendo muy abrumado de su depresión, y soledad. El 29 de julio de 1890 muere, tras pasar dos días agonizando, tras pegarse un tiro.
Pierre Auguste Renoir, maestro del impresionismo, nació en Limoges-Francia en 1841. Comenzó a pintar a la edad de 14 años, cuando fue aprendiz en una fábrica de porcelana. En 1862 ingresó a la Escuela de Bellas Artes en París, donde conoció a los impresionistas, Monet, Pizarro y Degas entre otros. Para poder sobrevivir realizaba retratos.
Se casó con Aline Charigot con la cual tuvo tres hijos.
Inicialmente el grupo de los impresionistas estaba ridicularisado, solo obtienen prestigio después de hacer sus propias exposiciones, a partir del año 1874. En la época Renoir, exploró de modo brillante los colores y los efectos de luz, como se puede ver en el Baile del Moulin de la Galette, obra realizada en el 1876.
El artista abandonaría las pinceladas cortas del impresionismo después de 1881, cuando adopta un estilo más tradicional.
Huyendo del frío que agravaba su artritis, construyó una casa en el sudoeste de Francia. Al final de su vida, sufriendo con su enfermedad, amarraba el pincel en su mano para poder pintar. Así creó Las Bañistas, terminado poco antes de su muerte. Ya en los últimos años de su vida fue visitado por dos jóvenes creadores, Matisse y Modigliani, que veían en el anciano pintor un fuerte estímulo para continuar con sus trabajos.
Renoir, falleció con 78 años.
Renoir en una oportunidad contestaba:
Hoy día se quiere explicar todo. Pero si se pudiera explicar un cuadro, no sería una obra de arte. ¿Debo decirle a usted qué cualidades constituyen a mi juicio el verdadero arte? Debe ser indescriptible e inimitable… La obra de arte debe cautivar al observador, envolverle, arrastrarle. En ella comunica el artista su pasión; es la corriente que emite y por la que incluye el observador en ella”. “Yo pongo ante mí el objeto tal y como yo lo quiero. Entonces empiezo y pinto como un niño. Me gustaría que un rojo sonara como el tañido de una campana. Si no lo consigo la primera vez, tomo más rojo y otros colores, hasta que lo tengo. No soy más listo. No tengo más reglas ni métodos. Cualquiera puede probar el material que uso o verme mientras pinto: se dará cuenta de que no tengo secretos”.
