Zezão artista brasileño que trabaja con arte–educación y pinta en las calles desde 1995, siempre tuvo sus disputas con la técnica rígida impuesta por el movimiento hip hop. Su emancipación aconteció en el año 1998, cuando descubrió la historia y el trabajo de Jean Michel Basquiat, cuyo trabajo alcanzó proyección mundial con el papa del pop art Andy Warhol. El me influenció en varios aspectos, por la libertad de expresarse, por tener un trazo tosco, pero al mismo tiempo muy representativo y por la forma como interactúa con la ciudad.

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Su graffiti invade museos y galerías y provoca debates sobre las transformaciones que el arte de la calle sufre al ser comparado al circuito oficial de arte. Zezão usa su arte para abordar los problemas de la ciudad: la violencia, los marginados y la polución. Él conoce las entrañas de la ciudad y crea en escenarios inimaginables perdido entre callejones, los desechos urbanos, escombros y el mundo subterráneo oculto bajo la metrópoli. Revela la existencia de tanta miseria, a través de las fotos que toma para documentar su trabajo inaccesible para el público en general.
Hoy el trabajo del artista autodidacta paulista, enfrenta menos preconceptos y es conocido y respetado. vía my space y 2 Revista Ocas

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Charly Nijensohn, nació en 1966 en Argentina, hoy vive y trabaja en Berlín. Es un Videographer Autodidacta.
Recorre el mundo en un viaje imaginario, busca los territorios más desolados de la tierra.
Aquí van tres series del autor, la última “El Naufragio de los Hombres” fue realizada a comienzos de este año 2008 en el Salar de Uyuni en Bolivia, es el desierto más grande del mundo. La otra Serie Naranja fue creada en el Fiordo Upernavik en Groenlandia. La tercer secuencia es en la Provincia de Jujuy en Argentina, en las Salinas Grandes.
Pensamiento del artista sobre su obra:

El campo de acción de mi obra está basado en un enfoque cosmológico-existencial. Para poder captar las tensiones derivadas de la relación entre el ser humano y su entorno, he optado por buscar los parajes más desolados y remotos, con la esperanza de encontrar una respuesta poético-metafísica a mi propia existencia.

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Zé Cordeiro, nació el 22 de noviembre de 1942 en San Pablo-Brasil, hoy reside en Portugal. Es un exponente del realismo latino americano, satírico y humorista, trágico y dramático, donde la figura humana se destaca particularmente con sus expresiones populares.
Es una pintura que impresiona por su extrema sensibilidad, tiene una original forma de ver. Transmite en sus obras una intensa alegría de vivir. Las imágenes presentan tonalidades fuertes. Vence al tiempo por el valor de su arte y por la carga de humanidad de los personajes que retrata.
Cordeiro tiene una sólida carrera y mucha historia para contar, convivió con grandes artistas.
Expuso en Brasil, Chile, Portugal, USA, Italia, Canadá, Francia Alemania, Inglaterra, España, finlandia y Luxemburgo.

Imágenes

Xul Solar, su verdadero nombre era Oscar  Agustín Alejandro Schultz Solari , nació en el año 1887 en la ciudad de Buenos Aires-Argentina.  De joven a la edad de 24 años viaja a Europa donde se empapa de la cultura vanguardista artística, de lo cual saca su propio estilo. Se acogió a los movimientos del cubismo, futurismo, fauvismo, surrealismo y expresionismo.

En sus obras aduce el ámbito de fábula, con símbolos oníricos, la firmeza del color y de curiosas figuras.
Era un lector de todas las materias, Jorge Luis Borges lo definió literalmente: Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”.

Su obra trasmite un mensaje esotérico, de sabiduría hermética, de inocencia y también irónica. Fue un artista visionario.
El artista falleció el 9 de abril del 1963, en su casa del Tigre, sobre el río, donde había instalado su taller, diseñado por él. Hasta sus últimos días, continuó pintando.

Nuestras obras son una mixtura de trazos basados en una reconstrucción de un lugar, digamos una foto a mano alzada, la cual luego se digitaliza y comenzamos a jugar en la PC, dándole colores, formas nuevas, contrastes y brillos acorde a nuestro diseño, formando así algo muy diferente al original realizado a mano, la idea de nuestro trabajo ”Trazos y Trozos” se basa en reconstruir lugares típicos en la ciudad de Montevideo, tratando de mostrarlos de una forma diferente y moderna.

Por consultas: preliasco@gmail.com

Mercedes Lasarte es un Himno a la alegría. Que es aquello que determina que un artista o su obra nos deslumbre? Una pregunta antigua que críticos y filósofos han intentado responder durante siglos. Para algunos la respuesta radica en la técnica y el mensaje; para otros, en su prestigio y su historia. Tal vez, el hecho objetivo supere al subjetivo y personal. Pero la realidad es que la pintura, como la música y la literatura, tienen una cuota de atracción instintiva, de emoción puramente íntima: ese hecho intransferible que determinará, que adoremos un cuadro o que nos pase inadvertido, más allá del valor social o cultural que demuestre.

Sin duda, la obra de Mercedes Lasarte atrae tanto a conocedores como al común del público. Más allá, de todo concepto intelectual, sus cuadros, plenos de color y energía, son un tributo a las cosas que hacen que la vida sea deliciosa, desde la simple belleza de un ramo de flores hasta un irrepetible atardecer en una playa tropical.
Ciudadana del mundo, Argentina de nacimiento y nómada por elección, Lasarte viaja incansablemente durante todo el año realizando muestras en Europa, Estados Unidos y Asia. En los 70 viajes a California como turista y nunca volvió¬. Mi primera exposición, en la Galerí¬a Findlay de Beverly Hills, se dio un poco por casualidad. Esta galería tenía una sucursal en Palm Beach, así¬ que también expuse allá¬.

Luego tuve la suerte de exponer junto a la marca de joyeros Harry Winston. Y así¬ empezó mi derrotero, que se fue extendiendo a galerías de Bélgica, Holanda, Italia o Japón, por ejemplo. Mi última exposición fue en Sothebys de Madrid, donde mostré mis últimos trabajos realizados sobre seda. Su obra admirada por la realeza europea, es parte de importantísimas colecciones privadas. Entre ellas se cuenta la de Carmen Thyssen-Bornemisza, viuda del legendario barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemiszia, dueño de una fabulosa colección.

Con un pie en el sur, he pintado toda la vida: es parte de mi naturaleza. En un nuevo paso que la devuelve un poco a estas latitudes, además de haber estrenado su estudio porteño, Mercedes Lasarte abrió, hace dos años, una galería en Punta del Este- Uruguay. Las coloridas obras de Mercedes Lasarte se destacan por capturar la expresión anímica de su modelo, por descubrir su más íntimo secreto.

RADIOGRAFIA DE UN ARTISTA Para este artista plástico nacido en la ciudad de Córdoba, egresado de la escuela provisional de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, el arte es un estado mental casi una obsesión.

Concibo el mundo a través del color, del dibujo y la forma, como si fuese una lente que me ayuda a descifrar la realidad, confiesa Fabián Liguori. La figuración esquemática próxima al graffiti, a cierto arte popular, al cómic y al cartel publicitario- es el soporte estético de su obra. Ganado de importantes premios, agradece al mundo por haberlo tenido en cuenta a pesar de vivir encerrado detrás de las blancas pareces de su taller, contenedoras de imágenes que se plantean en una suerte de narrativa simbólica.

Intuyo que puede haber ido madurando, no el como, sino el por que. Hoy le preocupa saber cual es la lógica que lo dirige. Analiza los problemas de identidad, la lógica de la industria de identidad, la lógica de la industria cultural, las c intenciones del discurso, el mundo y el creciente dominio de determinadas sociedades de alta performance tecnológica. En este contexto, se pregunta que puede llegar a decir con su imagen, cuales son los lugares vacíos donde plantar su visión de la sociedad.

Seducido por una imagen gráfica, recortada, a la que define como poco potable, produce un discurso indescifrable para determinadas intenciones de relación con esta obra cargada de simplismos. Intenta trabajar sobre una idea ajustada, que se ha ido optimizando en los recursos y profundizando en determinadas temáticas, buscando más sentido, más criterio, y poniendo su atención social. Lo notable del arte es que en dos o tres actos pueden hacer una apreciación de la realidad más directa. Las demás disciplinas quedan en el plano de lo especulable. El arte es una forma más contundente y directa de expresarse.

Roberto Cadenas, profesor, psicólogo, pintor y escultor nacido en Montevideo en el año 1952. Estudia con los Maestros Jorge Damian y Clarel Neme. Expone sus obras desde 1975 donde se destacan: Goteborg-Suecia, Buenos Aires- argentina, Universidad de Tel Aviv- Israel, Plaza Hotel de New York, The Waldorf Astoria de New York, The Manulife Center. Toronto. Es ganador de importantes premios a nivel nacional e internacional donde se destacan: Mención especial en el salón Paul Cezanne, 2ª Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes, Beca a la XVII Bienal de San Pablo, Mención M.A.A.M, concurso de Pinturas Inca, El Olimpismo y las Artes Plásticas, Salón Municipal de Montevideo, V Centenario I.C.L., Embajada de España (Beca a España), Concurso Jerusalem 3000, Premio Florencio Sanchez en el año 2000 por la escenografí¬a para teatro infantil. Realiza Murales Institucionales para el Montevideo Shopping, ANTEL, ANCAP, VARIG, Casa de la Cultura de Flores, entre otros. Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas de Argentina, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Israel, Italia, Suecia, Uruguay.

DATOS DE SU VIDA, DOLOR Y PASION

1907 Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón nace el 6 de junio en Coyoacán, un pueblo de la periferia de Ciudad de México. Es la tercera hija de la mexicana Matilde Calderón de Kahlo y el alemán Wilhelm Kahlo

1913 Enferma de poliomielitis y, como secuela, el pie derecho le queda ligeramente deformado. Va a la escuela primaria Colegio Alemán de México.

1922 Ingresa en la Escuela Nacional Preparatoria para prepararse para la carrera de Medicina. De los 2000 alumnos de la Escuela, sólo 35 son mujeres. Frida observa a Diego Rivera llena de admiración mientras éste pinta el mural La Creación.

1925 El 17 de setiembre sufre un grave accidente de tráfico al chocar un tren con el autobús que la llevaba, junto a su amigo Alejandro Gómez Arias, de la escuela a casa. Pasa un mes en el hospital de la Cruz Roja, donde inicia su afición a la pintura. Anteriormente ya había tomado algunas clases de dibujo con el grafista publicitario Fernando Fernández, cuyo estudio se hallaba muy cerca de la escuela de Kahlo.

1928 Se hace miembro del Partido Comunista de México (PCM), donde se encuentra de nuevo con Rivera. Se enamoran. El pintor la retrata en el fresco balada de la Revolución, que pinta en el Ministerio de Cultura, con una blusa roja y estrella en el pecho, repartiendo armas para la lucha revolucionaria.

1929 El 21 de agosto contraen matrimonio Frida Kahlo y Diego Rivera. La pareja se instala al principio en un piso del centro en Ciudad de México, y a continuación, se traslada a Cuernavaca, donde Rivera realiza un encargo. Kahlo abandona el Partido Comunista cuando Rivera es expulsado.

1930 A principios del año, sufre su primer aborto provocado, a causa de la “desfavorable presentación de la extremidad pélvica”. Rivera obtiene encargos en los Estados Unidos, y la pareja s traslada en noviembre a San Francisco.

1931 Frida Kahlo conoce al médico Dr. Eloesser, en quien deposita toda su confianza. El Dr. Eloesser será el consejero médico de la artista hasta su muerte. Aumentan los dolores y la deformación de la pierna derecha. La pareja regresa a México en julio por poco tiempo.

1932 El matrimonio se traslada en abril a Detroit, donde Rivera ha de realizar un nuevo trabajo. Después de tres meses y medio de embarazo, el 4 de julio sufre su segundo aborto, en el Henry Ford Hospital. El 15 de setiembre muere su madre en una operación de vsícula biliar.

1933 La pareja se traslada en marzo a Nueva York, donde Rivera pinta un mural en el Rockefeller Center. A finales de año regresan a México y compran una nueva casa en el lugar suburbano San Angel.

1934 A causa de infantilismo de los ovarios, debe interrumpir un nuevo embarazo de tres meses. Es operada por vez primera en el pie derecho, del que le son amputados varios dedos. Surge una historia amorosa entres su hermana Cristina y Diego Rivera.

1935 Frida Kahlo abandona la casa de San Angel y se instala por varios meses en un piso propio. Conoce al escultor americano Isamu Noguchi, con quien vive una aventura amorosa, Con algunas amigas viaja a Nueva York.

1936 De vuelta en la casa de San Angel, es operada por tercera vez en el pie derecho. Se enrola en un comité de solidaridad con los republicanos españoles.

1937 León Trostki y Natalia Sedova llegan el 9 de enero a México, y Frida Kahlo pone la Casa Azul de Coyoacán a su disposición.

1938 André Breton y Jacqueline Lamba vienen en abril a México para encontrarse con Trotski. Viven en casa de Guadalupe Marín, la anterior mujer de Diego Rivera y conocen a la pareja Kahlo Rivera. En octubre/noviembre tiene lugar, con gran éxito, la primera exposición individual de la artista en la galería de Julien Levy, en Nueva York. Inicia una relación amorosa con el fotógrafo Nicolás Muray.

1939 Viaja a París, donde expone, en marzo, sus trabajos en la galería Renou & Colle. Conoce a los pintores surrealistas. A su vuelta a México se instala en la casa paterna de Coyoacán. A finales de año se divorcian Frida y Diego Rivera.

1940 En setiembre viaja a San Francisco para ponerse en manos del Dr Eloesser. Allí se vuelve a casar con Diego Rivera el 8 de diciembre.

1941 El 14 de abril muere Guillermo Kahlo de un ataque cardíaco. A partir de entonces, la pareja Kahlo-Rivera vivirá en Coyoacán, en la Casa Azul, y Diego Rievera continúa usando la casa de San Angel como estudio.

1942 Frida Kahlo comienza a escribir su diario. Es elegida miembro del Seminario de Cultura Mexicana.

1943 Obtiene un puesto docente en la Escuela de Arte La Esmeralda. Su mal estado de salud la obliga, ya a los pocos meses, a dar las clases en su casa de Coyoacán.

1946 Con su cuadro Moisés obtiene el premio nacional de pintura, otorgado por el Ministerio de Cultura, Es operada en la columna vertebral en Nueva York.

1948 Se adhiere de nuevo al Partido Comunista de México (PCM)

1950 Es operada siete veces de la columna vertebral y pasa nueve meses en el hospital.

1951 Tras darse de baja en el hospital, se ve obligada a desplazarse en silla de ruedas. A partir de ahora tendrá que tomar continuamente anabólicos.

1952 Participa en la recogida de firmas en apoyo del Movimiento Pacifista. Diego Rivera la pinta en esta tarea en su mural. La pesadilla de la guerra y el sueño de la paz.

1953 Lola Alvarez Bravo organiza en su galería la primera exposición individual de la obra de Frida Kahlo en México. La artista asiste a la inauguración en cama. Su pierna derecha es amputada hasta la rodilla.

1954 Enferma de una infección pulmonar y aún durante la reconvalecencia, participa, contra el consejo de sus médicos, en una manifestación contra la intervención norteamericana en Guatemala. Muere el 13 de julio en la Casa Azul.

1958 Es inaugurado el Museo Frida Kahlo y entregado al pueblo mexicano, según el deseo de Diego Rivera (muerto en 1957).

Uno de los pintores más destacados de la escena artística argentina de principios y mediados del siglo XX.
Nació en La Plata el 1º de octubre de 1892.
Luego de realizar algunas muestras en su ciudad natal, se embarca en el año 1913 rumbo a Italia.

Llega a Venecia con sus veinte años recién cumplidos; allí rápidamente toma contacto con la vanguardia artística italiana, los jóvenes artistas y el ya famoso Marinetti, autor cuatro años antes del célebre ” Manifiesto del Futurismo “.

Durante su estancia en Milán, descubre un movimiento artístico que lo deslumbra y se suma a sus filas, los futuristas, con quienes realiza varias exposiciones. En París, traba amistad con Juan Gris y otros artistas de su generación. De regreso a su país en 1924, realiza una exposición en la tradicional Galería Witcomb en Bs. As., causando una verdadera conmoción entre  la crítica y en el público.

La obra presentada en aquella oportunidad contenía toda la sabiduría del renacimiento italiano junto a un lenguaje de vanguardia que abrevaba en el nuevo concepto cubista y futurista imperante.Con el correr de los años, Pettoruti se esfuerza por hacer conocer el arte de vanguardia a través de conferencias, revistas, diarios y frecuentes exposiciones.A fines de 1927 es nombrado Director del Museo Provincial de Bellas Artes de la ciudad que lo vio nacer.

En 1940 Amigos del Arte de Buenos Aires organizan la primer muestra retrospectiva de Pettoruti, muchas de las obras antaño criticadas cruelmente son ahora admiradas por el público y la crítica.

Durante 1944 pasa ocho meses recorriendo museos y universidades de los Estados Unidos invitado por el Comitee for Interamerican Artistic and Intellectual Relations Expone en el San Francisco Museum of Art y otros museos de los Estados Unidos.

Regresa en 1952 a Europa, luego de haber expuesto en 1950 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Expone en Milán y en Florencia luego de casi treinta años de ausencia.

Continúa exponiendo en años sucesivos; en 1953 en Roma, en 1954 en París, junto con Latour, Masson y Miró.En 1964 comienza a escribir sus memorias que publicará en 1966 con el título ” Un pintor ante el espejo”.

El 16 de octubre de 1971, muere en París.