La artista nacida en Belgrado en 1946 Marina Abramovic, es una de las pioneras de la performance de los años 60. Sus obras expresan lo esencial del cuerpo,  realiza un trabajo diferente donde trasciende el erotismo, explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. Ella se describe como la Abuela del arte de la performance.

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El desnudo es central en su trabajo artístico y desde el comienzo de su trayectoria identificó que su cuerpo es su herramienta comunicativa.
Abramovic afirma para describir el clímax sensitivo y mental que pretende construir con sus happenings:
“Quiero el público no pase el tiempo conmigo, sino que eluda el tiempo conmigo”,
La  artista serbia en sus performances corporales trata de plantear el cuerpo del artista como el objeto de la obra donde el público puede intervenir a voluntad. vía

Asiste al video de la performance Balcan Epic Erotic

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Aquí asiste al video del documental dedicado a la artista!

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Rebecca Horn desde la década de los setenta constituye un flujo creciente de diferentes lenguajes, instalaciones espaciales, performances, películas, dibujos, esculturas, y fotografías. Pero también escribe poesía, a veces esta influye en su obra, y en otras ocasiones su poesía ha inspirado su obra.

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La artista alemana, al principio explora el equilibrio entre cuerpo y espacio luego sustituye el cuerpo humano con esculturas cinéticas que adquieren su propia vida. La esencia de sus imágenes sale de la tremenda precisión de las funciones físicas y técnicas que ella utiliza para organizar sus trabajos dentro de un espacio en particular.
Su trabajo en cada instalación individual es un paso para romper los límites de espacio y tiempo, la apertura a un universo, la existencia de la que sólo se puede sentir. Es una de las artistas más grandes del arte contemporáneo.

Asiste a los videos de la exposición Rebelião em Silêncio en el Centro Cultural Banco de Brasil, mayo 2010.

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Una artista curiosa e inquieta, Dominique Gonzalez-Foerster, nacida en Estrasburgo Francia. Es uno de lo nombres más importantes del arte contemporáneo mundial. Realizó sus estudios en École de Beaux-Arts de Grenoble y en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo.

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Dominique Gonzalez Foerster además de su versatilidad en el cine, crea obras para espacios específicos, también en el net-art, la fotografía, y la arquitectura. vía

Hong Kong a través de los ojos de su protagonista con un delicado equilibrio de grabaciones cuidadosamente escogidas.

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Tate Modern de Londres.

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Dejar volar la imaginación es lo que acostumbra hacer Tim Walker para realizar sus trabajos. Sus imágenes son espejismos de sueños y fantasías, contando historias que evocan directamente de una imaginación que la mayoría de nosotros dejó atrás en la infancia.

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Su obra es un conjunto de lugares espléndidos que yuxtaponen lo cotidiano con lo absurdo y lo fabuloso, para crear cautivantes fotografías originales.
Este inglés es un creador de escenarios, un ilusionista y un mago. Sus fotografías poseen un encanto especial que nos transportan a un mundo sorprendente.

Tim comenzó a tomar fotos cuando era adolescente, después de mudarse a Devon con sus padres y hermano. “Creo que yo estaba interesado en fotos desde el día en que nací”, dice. “Siempre me han gustado las ilustraciones de libros para niños más que los propios cuentos.” La fotografía era, y es, “una manera de comunicarme”.

Les dejo aquí la reproducción de algunos de los trabajos del creativo fotógrafo que vive en Londres.

El famoso fotógrafo y diseñador gráfico italiano Fulvio Bonavia creó una serie de fotografías con la colaboración del chef Pete Matia, para el libro A Matter of Taste.  Bonavia nos muestra una nueva dimensión del arte culinario.

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Un mundo imaginario donde las fotos nos hacen pensar que las cosas simples que nos rodean pueden servir como fuente de inspiración. Los modelos de zapatos, sombreros, joyas y otros accesorios son encantadores y elegantes,  aunque no son usables. Pero la moda no siempre es usable, ¿verdad? Se burla de del gusto y el sentido de la moda.
El resultado es muy interesante, emocionante y delicioso…..como bien titula su libro, una cuestión de gusto!

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Bienal de Arte

Charly Nijensohn, nació en 1966 en Argentina, hoy vive y trabaja en Berlín. Es un Videographer Autodidacta.
Recorre el mundo en un viaje imaginario, busca los territorios más desolados de la tierra.
Aquí van tres series del autor, la última “El Naufragio de los Hombres” fue realizada a comienzos de este año 2008 en el Salar de Uyuni en Bolivia, es el desierto más grande del mundo. La otra Serie Naranja fue creada en el Fiordo Upernavik en Groenlandia. La tercer secuencia es en la Provincia de Jujuy en Argentina, en las Salinas Grandes.
Pensamiento del artista sobre su obra:

El campo de acción de mi obra está basado en un enfoque cosmológico-existencial. Para poder captar las tensiones derivadas de la relación entre el ser humano y su entorno, he optado por buscar los parajes más desolados y remotos, con la esperanza de encontrar una respuesta poético-metafísica a mi propia existencia.

Si deseas ver los videos entra aquí.

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Marc Chagall, nació en el año 1887, en la ciudad de Vitebsk. Diseñador y pintor surrealista. Su obra se caracteriza por su fantasía, humor y su uso singular del color y la forma. Su pintura fue influenciada por la combinación del expresionismo y el cubismo. Decoró varias producciones teatrales y pintó numerosos murales.

Sus obras evocan escenas de su propia vida y de la comunidad judía. Inauguró en el año 1973 el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa. Chagall también ilustró obras literarias y de fábulas.
Decoró con su pintura uno de los techos de la Opera de Paris y el vestíbulo del Metropolitan Opera House de New York con dos grandes murales.
Muere en el sur de Francia en Saint Paul de Vence con 86 años.

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Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.

Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.

Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.

Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.

Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.

Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.

Peter Doig, nació en Edimburgo en 1959, pero se crió en Canadá. Durante los años 1980 al 1983 estuvo en Londres estudiando en St Martin’s School of Art. Luego regresó a Canadá para seguir estudiando en King’s Cross y nuevamente en el 1989, regresa a Londres al Chelsea School of Art. Un gran avance en su propia práctica de la escena artística de Londres, a principios del decenio de 1990.

Doig ha desafiado su propio enfoque de la pintura y de la toma de imagen. Las obras sobre papel muestran la evolución imprevisible de sus temas y composiciones, y en la forma en que los temas aparecen y reaparecen. Su pintura a través de dos décadas, llega hasta la fecha con una selección de los nuevos trabajos de su estudio en Trinidad, donde ha vivido desde 2002.

Su obra conceptualmente se basa en una variedad de artistas de la historia del arte, como , Claude Monet, Edgard Munich y klimt.
Ha creado pinturas al óleo de paisajes, temas románticos y de carácter vernáculo.
Utiliza inusuales combinaciones de colores y representa escenas de ángulos inesperados, todos contribuyendo a dar un realismo mágico.

El pintor italiano Giuseppe Arcimboldo (Milán, 1527 – 1593), el más original de todos los pintores del Renacimiento, realmente un genio, creó retratos formados por elementos tales como frutas, animales y objetos, se anticipó a los vanguardistas del siglo XX, como por ejemplo a los surrealistas.

Perteneció a la escuela manierista. Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas redescubrieron el juego visual. Sus obras fueron también fuente de inspiración de Salvador Dalí.

Perteneció a la escuela manierista. Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas redescubrieron el juego visual. Sus obras fueron también fuente de inspiración de Salvador Dalí.

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