Bienal De Arte

Charly Nijensohn, nació en 1966 en Argentina, hoy vive y trabaja en Berlín. Es un Videographer Autodidacta.
Recorre el mundo en un viaje imaginario, busca los territorios más desolados de la tierra.
Aquí van tres series del autor, la última “El Naufragio de los Hombres” fue realizada a comienzos de este año 2008 en el Salar de Uyuni en Bolivia, es el desierto más grande del mundo. La otra Serie Naranja fue creada en el Fiordo Upernavik en Groenlandia. La tercer secuencia es en la Provincia de Jujuy en Argentina, en las Salinas Grandes.
Pensamiento del artista sobre su obra:

El campo de acción de mi obra está basado en un enfoque cosmológico-existencial. Para poder captar las tensiones derivadas de la relación entre el ser humano y su entorno, he optado por buscar los parajes más desolados y remotos, con la esperanza de encontrar una respuesta poético-metafísica a mi propia existencia.

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Xul Solar, su verdadero nombre era Oscar  Agustín Alejandro Schultz Solari , nació en el año 1887 en la ciudad de Buenos Aires-Argentina.  De joven a la edad de 24 años viaja a Europa donde se empapa de la cultura vanguardista artística, de lo cual saca su propio estilo. Se acogió a los movimientos del cubismo, futurismo, fauvismo, surrealismo y expresionismo.

En sus obras aduce el ámbito de fábula, con símbolos oníricos, la firmeza del color y de curiosas figuras.
Era un lector de todas las materias, Jorge Luis Borges lo definió literalmente: Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”.

Su obra trasmite un mensaje esotérico, de sabiduría hermética, de inocencia y también irónica. Fue un artista visionario.
El artista falleció el 9 de abril del 1963, en su casa del Tigre, sobre el río, donde había instalado su taller, diseñado por él. Hasta sus últimos días, continuó pintando.

Mercedes Lasarte es un Himno a la alegría. Que es aquello que determina que un artista o su obra nos deslumbre? Una pregunta antigua que críticos y filósofos han intentado responder durante siglos. Para algunos la respuesta radica en la técnica y el mensaje; para otros, en su prestigio y su historia. Tal vez, el hecho objetivo supere al subjetivo y personal. Pero la realidad es que la pintura, como la música y la literatura, tienen una cuota de atracción instintiva, de emoción puramente íntima: ese hecho intransferible que determinará, que adoremos un cuadro o que nos pase inadvertido, más allá del valor social o cultural que demuestre.

Sin duda, la obra de Mercedes Lasarte atrae tanto a conocedores como al común del público. Más allá, de todo concepto intelectual, sus cuadros, plenos de color y energía, son un tributo a las cosas que hacen que la vida sea deliciosa, desde la simple belleza de un ramo de flores hasta un irrepetible atardecer en una playa tropical.
Ciudadana del mundo, Argentina de nacimiento y nómada por elección, Lasarte viaja incansablemente durante todo el año realizando muestras en Europa, Estados Unidos y Asia. En los 70 viajes a California como turista y nunca volvió¬. Mi primera exposición, en la Galerí¬a Findlay de Beverly Hills, se dio un poco por casualidad. Esta galería tenía una sucursal en Palm Beach, así¬ que también expuse allá¬.

Luego tuve la suerte de exponer junto a la marca de joyeros Harry Winston. Y así¬ empezó mi derrotero, que se fue extendiendo a galerías de Bélgica, Holanda, Italia o Japón, por ejemplo. Mi última exposición fue en Sothebys de Madrid, donde mostré mis últimos trabajos realizados sobre seda. Su obra admirada por la realeza europea, es parte de importantísimas colecciones privadas. Entre ellas se cuenta la de Carmen Thyssen-Bornemisza, viuda del legendario barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemiszia, dueño de una fabulosa colección.

Con un pie en el sur, he pintado toda la vida: es parte de mi naturaleza. En un nuevo paso que la devuelve un poco a estas latitudes, además de haber estrenado su estudio porteño, Mercedes Lasarte abrió, hace dos años, una galería en Punta del Este- Uruguay. Las coloridas obras de Mercedes Lasarte se destacan por capturar la expresión anímica de su modelo, por descubrir su más íntimo secreto.

RADIOGRAFIA DE UN ARTISTA Para este artista plástico nacido en la ciudad de Córdoba, egresado de la escuela provisional de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, el arte es un estado mental casi una obsesión.

Concibo el mundo a través del color, del dibujo y la forma, como si fuese una lente que me ayuda a descifrar la realidad, confiesa Fabián Liguori. La figuración esquemática próxima al graffiti, a cierto arte popular, al cómic y al cartel publicitario- es el soporte estético de su obra. Ganado de importantes premios, agradece al mundo por haberlo tenido en cuenta a pesar de vivir encerrado detrás de las blancas pareces de su taller, contenedoras de imágenes que se plantean en una suerte de narrativa simbólica.

Intuyo que puede haber ido madurando, no el como, sino el por que. Hoy le preocupa saber cual es la lógica que lo dirige. Analiza los problemas de identidad, la lógica de la industria de identidad, la lógica de la industria cultural, las c intenciones del discurso, el mundo y el creciente dominio de determinadas sociedades de alta performance tecnológica. En este contexto, se pregunta que puede llegar a decir con su imagen, cuales son los lugares vacíos donde plantar su visión de la sociedad.

Seducido por una imagen gráfica, recortada, a la que define como poco potable, produce un discurso indescifrable para determinadas intenciones de relación con esta obra cargada de simplismos. Intenta trabajar sobre una idea ajustada, que se ha ido optimizando en los recursos y profundizando en determinadas temáticas, buscando más sentido, más criterio, y poniendo su atención social. Lo notable del arte es que en dos o tres actos pueden hacer una apreciación de la realidad más directa. Las demás disciplinas quedan en el plano de lo especulable. El arte es una forma más contundente y directa de expresarse.

Uno de los pintores más destacados de la escena artística argentina de principios y mediados del siglo XX.
Nació en La Plata el 1º de octubre de 1892.
Luego de realizar algunas muestras en su ciudad natal, se embarca en el año 1913 rumbo a Italia.

Llega a Venecia con sus veinte años recién cumplidos; allí rápidamente toma contacto con la vanguardia artística italiana, los jóvenes artistas y el ya famoso Marinetti, autor cuatro años antes del célebre ” Manifiesto del Futurismo “.

Durante su estancia en Milán, descubre un movimiento artístico que lo deslumbra y se suma a sus filas, los futuristas, con quienes realiza varias exposiciones. En París, traba amistad con Juan Gris y otros artistas de su generación. De regreso a su país en 1924, realiza una exposición en la tradicional Galería Witcomb en Bs. As., causando una verdadera conmoción entre  la crítica y en el público.

La obra presentada en aquella oportunidad contenía toda la sabiduría del renacimiento italiano junto a un lenguaje de vanguardia que abrevaba en el nuevo concepto cubista y futurista imperante.Con el correr de los años, Pettoruti se esfuerza por hacer conocer el arte de vanguardia a través de conferencias, revistas, diarios y frecuentes exposiciones.A fines de 1927 es nombrado Director del Museo Provincial de Bellas Artes de la ciudad que lo vio nacer.

En 1940 Amigos del Arte de Buenos Aires organizan la primer muestra retrospectiva de Pettoruti, muchas de las obras antaño criticadas cruelmente son ahora admiradas por el público y la crítica.

Durante 1944 pasa ocho meses recorriendo museos y universidades de los Estados Unidos invitado por el Comitee for Interamerican Artistic and Intellectual Relations Expone en el San Francisco Museum of Art y otros museos de los Estados Unidos.

Regresa en 1952 a Europa, luego de haber expuesto en 1950 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Expone en Milán y en Florencia luego de casi treinta años de ausencia.

Continúa exponiendo en años sucesivos; en 1953 en Roma, en 1954 en París, junto con Latour, Masson y Miró.En 1964 comienza a escribir sus memorias que publicará en 1966 con el título ” Un pintor ante el espejo”.

El 16 de octubre de 1971, muere en París.

Durante varias décadas se discutió acerca de la existencia de un arte propio de Latinoamérica, con una identidad concreta, como la que se atribuye al “arte europeo” o al “arte americano” (referido a los EEUU).
Latinoamérica no se define por una sola imagen. Desde México a la Argentina, durante las primeras décadas del siglo XX, cuando ya existía una situación histórica que nos desvinculaba políticamente del continente europeo, también nos encontramos frente a un hito que marcaría el desarrollo de una de las vanguardias más importantes de América Latina: la revolución mexicana.

Durante la década del 20 aparecen dos grandes corrientes. En México, nacen los “muralistas”, cuyos mayores exponentes son José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Siqueiros y en el Río de la Plata, tres artistas exponen (entre 1924 y 1925) sus obras con críticas encontradas: Pedro Figari, Emilio Pettoruti y Xul Solar.
En el transcurso de las décadas del 20, 30 y 40 madura en América Latina una extraordinaria gama de artistas y movimientos que la ubica entre las vanguardias del mundo. Incluso la influencia de algunos latinoamericanos se hace sentir en el arte de vanguardia europeo y americano.

No se puede dudar entonces de la existencia de un lenguaje propio, de una imagen particular. Sin embargo, es necesario tener presente que ésta no es única ya que, si se toma como ejemplo a los artistas que significaron hitos en la historia del arte, se confirma su disparidad de propuestas estéticas.
Así, el uruguayo Pedro Figari con su “Lamento” (sin fecha) apela a un recurso técnico, el de sus trabajos al óleo sobre cartón, para devolvernos con generosidad los recuerdos de una tierra que combina lo colonial con el paisaje y sus personajes pintorescos.

El argentino Emilio Pettoruti -en las antípodas de lo pintoresco o lo folklórico- con su obra “Mi arlequín” (1927) define, después de sus años de formación europea, lo que sería su lenguaje particular donde el cubismo y el futurismo conforman los rasgos más notables.
Wilfredo Lam, el artista cubano que desarrollaría una carrera importante también en Europa, marca desde el surrealismo un acontecimiento importante. Sus protagonistas siempre están vinculados a los mitos e historias caribeñas, donde el encuentro de la cultura europea y la africana brindó a este artista su principal fuente de inspiración.

Rufino Tamayo, el mexicano que no pertenece al grupo de los muralistas, se destacó por sus exquisitos óleos, cuyos temas simples cautivaron siempre a los amantes de la buena pintura. Su obra más representativa es del año 1951 y se titula “Melones”.
Por último, bastan dos obras del brasileño Cándido Portinari -”Os retirantes” (1954) y “El gran árbol” (1959)- para confirmar los cambios que muchas veces nuestros artistas evidenciaron en sus trayectorias.

El arte latinoamericano tiene su historia, su desarrollo y sus protagonistas. Abordar su estudio es apasionante, ya que el recorrido país por país enriquece la visión y la comprensión de un continente fértil en expresiones culturales. Su riqueza no sólo pasa por una cantidad de buenas obras, sino por el descubrimiento de un universo complejo donde se unen los aportes de diferentes culturas: la aborigen, la europea y la africana.