Zezão artista brasileño que trabaja con arte–educación y pinta en las calles desde 1995, siempre tuvo sus disputas con la técnica rígida impuesta por el movimiento hip hop. Su emancipación aconteció en el año 1998, cuando descubrió la historia y el trabajo de Jean Michel Basquiat, cuyo trabajo alcanzó proyección mundial con el papa del pop art Andy Warhol. El me influenció en varios aspectos, por la libertad de expresarse, por tener un trazo tosco, pero al mismo tiempo muy representativo y por la forma como interactúa con la ciudad.

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Su graffiti invade museos y galerías y provoca debates sobre las transformaciones que el arte de la calle sufre al ser comparado al circuito oficial de arte. Zezão usa su arte para abordar los problemas de la ciudad: la violencia, los marginados y la polución. Él conoce las entrañas de la ciudad y crea en escenarios inimaginables perdido entre callejones, los desechos urbanos, escombros y el mundo subterráneo oculto bajo la metrópoli. Revela la existencia de tanta miseria, a través de las fotos que toma para documentar su trabajo inaccesible para el público en general.
Hoy el trabajo del artista autodidacta paulista, enfrenta menos preconceptos y es conocido y respetado. vía my space y 2 Revista Ocas

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La artista brasileña Leda Catunda, nos despierta la curiosidad y deseo de tocar sus obras para sentir las texturas y combinaciones que utiliza. Sus pinturas son hechas a partir de procedimientos próximos a los del collage, con tejidos ricos en texturas y de colores intensos, sobrepuestos, recortados, pintados y entrelazados. Tiene como resultado la extrapolación al plano pictórico en una superficie voluminosa, que hace referencia a los elementos de la naturaleza como insectos, ríos, y gotas de agua.

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Leda  es una innovadora de las artes plásticas, y en sus creaciones nos revela sobre su forma de percibir el mundo, generando nuevas e impactantes obras con una dosis de humor. vía

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y
fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la
representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto
usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales
del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la
perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y
mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la
necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y
filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones
intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

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La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación
exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud
del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de
arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta.
La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi
mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los
muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está
intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que
representa.

Pero la abstracción pura, en la que no hay referencia alguna a realidades naturales, surgió alrededor de 1910, como reacción al
realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Es una de las manifestaciones más
significativas del arte del siglo XX. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el
fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que
hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo
tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y
lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación
de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real,
objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y
perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que
propone una nueva realidad distinta a la natural.

Fuente: Wikipedia

Las pinturas de Amanda Smith, de acuerdo con su declaración en su sitio web, adopta diversas escenas de películas y compuestos uno encima del otro, es una creación de nuevos y bellos espacios. En la pintura, toma fragmentos de diferentes lugares de una película y lo combina en un solo espacio, es una transferencia del medio ambiente que se presenta en la película que lo comprime en el espacio de una pintura. Las combinaciones de diferentes lugares, ambientes interiores yuxtapuestos a los exteriores, permiten múltiples lugares y momentos que se comparten al mismo tiempo. La disponibilidad de películas y las frecuencias visuales añaden un familiar sentido universal, y permiten que ciertos rasgos comunes se comuniquen de pintura a pintura.

Vía

Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.

Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.

Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.

Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.

Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.

Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.

Al ver por primera vez la obra de Pepa Mach parece que se haya convivido con ella durante largo tiempo, que se trate de un reencuentro tras la ausencia y se siente la necesidad de recuperar sus cuadros para aquella pared que los esperaba. De sosegada transparencia a pesar de sus colores vivos y llamativos, su obra transporta a un oasis de placidez y sosiego, de recuerdos y sueños.

Imágenes que evocan situaciones cotidianas en un estilo muy personal para el que Pepa Mach utiliza la pintura acrílica sobre tela y que sorprenden por su cotidianidad, por la sensación de haber sido arrancadas de escenas vividas y por su descarada vocación de ser pinturas para compartir. En este sentido, la autora cuenta que sus propuestas no tienen inclinaciones misóginas, solitarias, que nacen con la vocación de ser vistas y de verse envueltas por la propia vida que transmiten.

Buena conocedora del lenguaje de los materiales y de la plasticidad de las imágenes, proviene del ámbito del diseño gráfico, Pepa Mach incorpora diversas técnicas en una misma obra. Partiendo del collage utiliza técnicas cubistas, figurativistas, conceptuales o impresionistas para transmitir una emoción. Trozos de papel o de tela, imágenes de ángeles bucólicos e infantiles, retales de manteles de papel, objetos diversos, en definitiva, le sirven de pretexto para contar una historia, usando el marco como viñeta para un guión en que cada cual debe componer el final.

Alrededor del motivo central los colores son vivos y fuertes y los trazos como ondas de un mar en verano, con límites claros e inconfundibles que multiplican la fuerza de cada pincelada. El formato de sus obras es asequible, lejano de exageradas grandilocuencias y coherente con el concepto global de cada uno de os cuadros.
En definitiva, Pepa Mach nos invita a recuperar imágenes y objetos que forman parte de una historia concreta, de un sentimiento, y rodearlos de luz para que recobren su propia energía.