Bienal De Arte

Las pinturas de Amanda Smith, de acuerdo con su declaración en su sitio web, adopta diversas escenas de películas y compuestos uno encima del otro, es una creación de nuevos y bellos espacios. En la pintura, toma fragmentos de diferentes lugares de una película y lo combina en un solo espacio, es una transferencia del medio ambiente que se presenta en la película que lo comprime en el espacio de una pintura. Las combinaciones de diferentes lugares, ambientes interiores yuxtapuestos a los exteriores, permiten múltiples lugares y momentos que se comparten al mismo tiempo. La disponibilidad de películas y las frecuencias visuales añaden un familiar sentido universal, y permiten que ciertos rasgos comunes se comuniquen de pintura a pintura.

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Umberto Boccioni, pintor, escultor, futurista e inventor del Dinamismo Plástico, nació en Reggio Calabria-Italia el 19 de octubre de 1882. Pasó su infancia y la adolescencia en diferentes ciudades.
En 1899, en este período el joven pintor, con un estilo muy realista, conoce igualmente el joven Gino Severini y asistió al estudio de Giacomo Balla, que en esos años, en Roma era un profesor muy famoso, para profundizar la investigación sobre técnicas.
De 1903 a 1906 Umberto Boccioni participa en la exposición anual de la Sociedad Amatori y Cultori, pero en 1905 en controversia con el conservadurismo de los jurados oficiales, organiza con Severini, en el Teatro Costanzi, la “Exposición de rechazados”.

Para escapar a la atmósfera provincial italiana, en la primavera de 1906 Boccioni viaja a París, donde permaneció fascinado por las modernas metrópolis.
Unos meses despues viaja a Rusia, a su regreso a Italia más concretamente a Pauda se inscribió en la Academia de bellas Artes de Venecia, donde se graduó.
Necesita llegar al fondo de las nuevas corrientes de pinturas, derivados de los cambios del “Impresionismo y el Simbolismo, Boccioni toma otro viaje a Mónaco, e ingresa en el movimiento” Sturm und drang, alemán con influencia británica.

Milán se convirtió en una ciudad dinámica, y aquí es donde Boccioni estipula el regreso de su último viaje a Europa para poner a prueba, bajo la influencia del divisionismo y el simbolismo, diversas técnicas.
Llevar un diario detallado en el que toma nota de su experiencia estilística, sus dudas y ambiciones que estaban agitando el artista que estaba entre divisionismo, el simbolismo, hacia el futurismo, la pintura de retratos, pinturas de carácter simbólico y algunas vistas de la ciudad.
Por último Boccioni, cumple con Marinetti, acercandose al movimiento avant-garde , y escribe en 1910, con Carlo Carrà y Luigi Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmado también por Severini y Balla.

Boccioni moderniza el estilo de pintura usando su propio idioma, al tiempo que participan activamente en todas las iniciativas para convertirse en el pintor futurista más representativo de esta corriente.
Luego estuvo en diversas capitales europeas, París, Londres, Berlín, Bruselas, en exposiciones de pintores futuristas y escribe el “Manifiesto de escultura futurista”, que expone sus teorías sobre la simultaneidad y el dinamismo, en parte ya se expresa en el “Manifiesto técnico de la pintura futurista “.

Umberto Boccioni sugiere la utilización en un trabajo de muy diferentes materiales, madera, papel, vidrio y metal, empezando a incorporar fragmentos de objetos en modelos de yeso en las esculturas.
Desde 1912, su primer año de exposición futurista en París en la Galerie Bernheim-Jeune, Boccioni aplica el concepto de “Dinamismo plástico” incluso a la escultura, mientras que estudia la dinámica del cuerpo humano a través de una larga serie de dibujos y acuarelas.
Aplicando el dinamismo plástico para sus pinturas, Umberto Boccioni abandona la tradicional fusión interna y externa, real y los datos de la memoria, en una sola imagen.
Con esto en mente se desarrolla la característica “líneas de fuerza” que rastrean la trayectoria de un objeto en movimiento en el espacio.

Durante los años de guerra Umberto Boccioni colabora con la revista “Sucesos” .
Su estilo personal, en busca de dinamismo, lo llevó al enfoque del expresionismo y el cubismo con el fin de poner al espectador en el centro del marco para que se sientan involucrados y participantes.
Umberto Boccioni se convirtió en el artista que mejor retrató la vida moderna, apresurada y estresante, de que la máquina en movimiento es el principal símbolo.
El 17 de agosto de 1916 Boccioni murió tras una caída desde un caballo, en la flor de su revolución pictórica que le llevó desde el futurismo a Dinamismo Plástico.

Al ver por primera vez la obra de Pepa Mach parece que se haya convivido con ella durante largo tiempo, que se trate de un reencuentro tras la ausencia y se siente la necesidad de recuperar sus cuadros para aquella pared que los esperaba. De sosegada transparencia a pesar de sus colores vivos y llamativos, su obra transporta a un oasis de placidez y sosiego, de recuerdos y sueños.

Imágenes que evocan situaciones cotidianas en un estilo muy personal para el que Pepa Mach utiliza la pintura acrílica sobre tela y que sorprenden por su cotidianidad, por la sensación de haber sido arrancadas de escenas vividas y por su descarada vocación de ser pinturas para compartir. En este sentido, la autora cuenta que sus propuestas no tienen inclinaciones misóginas, solitarias, que nacen con la vocación de ser vistas y de verse envueltas por la propia vida que transmiten.

Buena conocedora del lenguaje de los materiales y de la plasticidad de las imágenes, proviene del ámbito del diseño gráfico, Pepa Mach incorpora diversas técnicas en una misma obra. Partiendo del collage utiliza técnicas cubistas, figurativistas, conceptuales o impresionistas para transmitir una emoción. Trozos de papel o de tela, imágenes de ángeles bucólicos e infantiles, retales de manteles de papel, objetos diversos, en definitiva, le sirven de pretexto para contar una historia, usando el marco como viñeta para un guión en que cada cual debe componer el final.

Alrededor del motivo central los colores son vivos y fuertes y los trazos como ondas de un mar en verano, con límites claros e inconfundibles que multiplican la fuerza de cada pincelada. El formato de sus obras es asequible, lejano de exageradas grandilocuencias y coherente con el concepto global de cada uno de os cuadros.
En definitiva, Pepa Mach nos invita a recuperar imágenes y objetos que forman parte de una historia concreta, de un sentimiento, y rodearlos de luz para que recobren su propia energía.