Bienal De Arte

Historia del Museo del Prado
El Museo del Prado es una experiencia irremplazable para cualquier aficionado a la pintura: que ningún especialista, crítico o pintor, puede considerar completa su formación sin haberlo visitado y estudiado; y que, por sí solo, el Museo del Prado constituye una escuela inagotable de enseñanzas artísticas, históricas y culturales. Además de un museo, el Prado es también un monumento social de primer orden, y un compendio de la mejor historia de España.El Museo del Prado se inaugura el 19 de noviembre de 1819 con el nombre de Museo Real de Pintura y Escultura, ya que sus obras provenían de las colecciones de los reyes de España. En 1872 se incorporan los fondos del polémico Museo de la Trinidad, creado a partir de la Ley de Desamortización de Mendizábal (1836).

Será éste uno de los primeros museos en seguir el modelo francés del Museo del Louvre (inaugurado en 1793), cuyos rasgos principales son, además de su carácter público —tras la nacionalización del patrimonio artístico, hasta entonces en manos de las clases sociales altas—, la idea de ser concebido con una función educativa y recreativa. La  creación del museo tiene, a pesar de todo, un desarrollo como casual, improvisado, en contraste con la sistemática ambición coleccionista de los reyes.

Al terminar la guerra contra los franceses, Madrid cuenta, por un lado, con unas colecciones de pintura formadas por miles de cuadros, muchos de ellos en condiciones gravísimas de deterioro, y cuya reunión en una verdadera pinacoteca viene siendo inútilmente reclamada desde los tiempos de Felipe ll. La capital dispone también, a esas alturas, de un magnífico edificio neoclásico, recién construido y ya arruinado, del que apenas se recuerda su destino fundacional como Museo de Ciencias Naturales. Se atribuye a la esposa de Fernando Vll, María Isabel de Braganza,el impulso que unirá edificio y colecciones en un verdadero museo, cuya apertura al público tendrá lugar el 19 de noviembre de 1819.

Desde 1814, fecha en la que Fernando VII manifiesta expresamente su deseo de crear un museo de pinturas, hasta la fecha de su inauguración, transcurren cuatro años en la búsqueda del espacio idóneo para disponer la colección. En 1818 se elige, por fin, el Real Museo de Ciencias Naturales. Este edificio formaba parte del magnífico proyecto de Carlos III de creación de una Academia de Ciencias Naturales, situada en la zona por él privilegiada: el Prado de San Jerónimo. El edificio, en un admirable estilo neoclásico, realizado entre 1785-1808 por Juan de Villanueva, estaba formado por tres grandes cuerpos, unidos entre sí por dos galerías alargadas, ofreciendo un espacio perfecto para albergar la colección real.

Su estructura había sufrido, sin embargo, serios destrozos durante la Guerra de la Independencia. Fue precisa, por tanto, una intervención en principio a cargo del propio arquitecto Villanueva y, a su muerte, de Antonio López Aguado, quien lo dejó dispuesto para su apertura en 1819. A partir de entonces, el Museo del Prado ha seguido creciendo y adaptándose a las necesidades que los nuevos tiempos le han ido exigiendo. Aun así, el Museo del Prado se enriquece día a día con obras de relevancia universal para el patrimonio del hombre. Cada año es visitado por cientos de miles de turistas y madrileños que desean aproximarse a la obra de tantos genios de la pintura europea, misión facilitada por la feliz confluencia urbanística del triángulo museístico que componen el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen Bornemisza.

Colecciones
Pintura Española
Obedeciendo a un criterio cronológico, el Prado expone desde los murales románicos del siglo XII hasta la producción de Goya, que ya se adentra en el siglo XIX. En la planta baja, junto o la pintura medieval y renacentista, destacan las pinturas de El Greco. En la principal, su galería central expone los conjuntos de Ribera y Murillo, la sala basilical y adyacentes el de Velázquez y el Siglo de Oro, culminando con la obra de Goya, cuyas pinturas se distribuyen entre esta planta y la segunda.

Pintura Italiana

Con dieciséis salas dedicadas a su exposición, esta sección abarca desde el primer Renacimiento-Fra Angélico, Manlegno, Botticelli- hasta el siglo XVIII-Tiépolo y Giaquinto.

En la planta baja, las obras de Rafael y, sobre todo, la escuela veneciana -Tiziano, Tinloretto, Veronés y Bassano- forman uno de los conjuntos más compactos del Prado.

Pintura Flamenca y Holandesa
La pertenencia de los Países Bajos a la monarquía hispánica explica la riqueza de pinturas de la escuela flamenca en el Prado.

Las colecciones de primitivos -Weyden, Bouts, Memling-, de El Bosco y de otros artistas del siglo XVI se pueden ver en la planta baja. En la principal se despliega el importantísimo conjunto de pintura flamenca del siglo XVII con obras de Rubens, van Dyck y Brueghel, entre muchos otros.
Pintura Francesa
Las relaciones hispano-francesas durante el siglo XVII y las adquisiciones de algunos reyes, como Felipe IV y Felipe V, están en la base de la colección de pintura francesa del Prado, que muestra obras de Poussin y Claudio de Lorena en la planta principal y de Ranc, van Loo o Watteau en la segunda.

Pintura Alemana
Reducida en número, pero de gran calidad, la colección de pintura alemana abarca obras de los siglos XVI y XVIII. En la planta baja, una sala se dedica a obras capitales de Alberto Durero, Lucas Cranach y Baldung Crien. En la segunda planta, otra sala se dedica al pintor neoclásico Antón Rafael Mengs.
Escultura
Traídas de Italia entre los siglos XVI y XIX, las más de doscientas veinte obras de escultura clásica del Museo ilustran desde el arte arcaico griego hasta el período helenístico y el mundo romano. La colección de escultura se completa con las obras de los Leoni encargadas por Carlos V y Felipe II en el siglo XVI.

Artes Decorativas
Repartidas en diversas salas de la colección permanente se exponen mesas y consolas de piedras duras de los siglos XVI al XVIII, “cassoni”, escritorios, cerámicas de Urbino y escultura de pequeño formato. La colección de mayor importancia, el “Tesoro del Delfín”, nutrido por alhajas heredadas por Felipe V de su padre, el Gran Delfín, se expone, a la manera de un tesoro, en la planta sótano del Museo.
Dibujos y Estampas
El Museo atesora cerca de cuatro mil dibujos. Destaca la colección de quinientos dibujos y estampas de Goya, la más importante del mundo. Dos salas instaladas en la planta segunda muestran rotativamente por razones de conservación esta importante riqueza.

Arte Latinoamericano Contemporáneo

Como vivir juntos, nombre con que se abrió la 27 Bienal de San Pablo, inspirado en los seminarios que Roland Barthes diera en el College de France en 1976-77
En “Cómo vivir juntos”, el autor francés indaga en la historia de la convivencia y las ficciones sobre la vida en comunidad.
En esta última Bienal no se está en presencia de un mero ‘entretenimiento’.

Lo individual y lo colectivo, términos siempre próximos en cuestiones de arte, reunir las dos perspectivas fue el desafío de esta bienal, además si se toma en cuenta el vigor del mundo globalizado, donde el arte rompe fronteras proponiendo una lectura crítica de los acontecimientos contemporáneos: nada es más actual que discutir el vivir juntos.

Esta temática refuerza el debate acerca del multiculturalismo / interculturalismo y reflota su significado en términos de convivencia con el otro y del respeto a las diferencias.

La propuesta de la bienal queda reflejada en la construcción de espacios compartidos y prácticas cooperativas incentivando e involucrando a los artistas contemporáneos en el universo artístico. Para esta tarea convivieron curadores nacionales y extranjeros participando en la afinación conceptual como en la discusión de la planta museográfica.

Al entrar, la primera estructura que le aguarda al visitante es un espacio alambrado, apenas dulcificado por un pasto verde sintético. Centenas de guantes naranjas y armas blancas recuerdan el régimen del apartheid en Sudáfrica. La cerca es custodiada por descendientes de esclavos brasileños, de carne y hueso, vestidos de policías. Bautizada Security, la obra de la sudafricana Jane Alexander convoca imágenes recientes: las de los musulmanes presos en Guantánamo.

Lisette Lagnado, curadora de esta bienal, quebró con la abulia de las dos últimas exposiciones: la de este año tiene una fuerza de enorme impacto. Esta mujer nacida en Africa, buscó mostrar dos caras de la misma moneda. ‘De un lado, los que creen en el vivir juntos. Del otro, quienes están desencantados’.

El concepto de la bienal se sitúa en el cruce de dos líneas de pensamiento que están en la base del programa de Helio Oiticica en el sentido de construcción, propio de la experiencia neoconcreta brasileña y un adiós al esteticismo.

Todo se verá en la bienal, el compromiso social, así como en las construcciones el gran compromiso ambiental participando de la configuración de la vida cotidiana, la diferencia residual entre arte y vida.

Conviven diferentes materiales, diferentes países, diferentes ideas, unidos en un espacio de arte, dejando una sensación de pluralidad y de unión a pesar de las diferencias.

Sería injusto hablar de preferencias, cada instalación tiene en ella el alma del o los artistas y eso se puede palpar a medida que se recorre la muestra, tres niveles unidos por una descansada rampa en espiral nos lleva por el camino del video-arte, la fotografía, las grandes instalaciones, la escultura, la pintura y del mismo modo en que se nos cruzan las imágenes de esta manera está concebida la muestra.

PARQUE IBIRAPUERA

PABELLON DE LA BIENAL CICCILLO MATARAZZO

Sede permanente desde 1957

OBRAS PLANTA BAJA

PRIMER PLANTA

SEGUNDA PLANTA

TERCER PLANTA

Historia Bienal de San Pablo
La exposición nacional de Bienal de Arte en 1951 se hace en un museo y lo que parece una paradoja -el surgimiento en este ámbito de un movimiento de vanguardia-.
El espacio mediador del museo orienta, desde los comienzos, las prácticas del grupo. Es en los museos fundados en San Pablo durante aquellos años (Museu de Arte de São Paulo en 1947, Museu de Arte Moderna en 1948), donde se reconoce una tradición modernista, se la explicita y se la revisa exhaustivamente. Se realizan, en ese entonces, diversas exposiciones entre las que se destacan, en el Museu de Arte de São Paulo, las retrospectivas de artistas modernistas brasileños y dos exposiciones liminares: la de Alexander Calder y la de Max Bill, ambas alrededor de 1950. Y en el Museu de Arte Moderna, la ya mencionada exposición de arte concreta en la que participan artistas plásticos, diseñadores y poetas.
A partir de una iniciativa de este mismo museo, se inauguran, en 1951, las Bienales de Arte y Arquitectura de São Paulo, que acentúan, con sus exhibiciones periódicas, la idea de temporalidad como evolución: cada muestra debe ser renovadora respecto de la anterior. En la formación de aquello que Raymond Williams ha denominado “estructura de sentimiento” de un grupo o de una generación, el museo ha desempeñado un papel muy diferente al que tuvo a principios de siglo. En sus salas, museo vivo y no mausoleo, los espectadores (entre ellos los por entonces jóvenes poetas que formarían el concretismo) pudieron experimentar la transformación de las vanguardias e interiorizar el paradigma modernista. Es allí, en el espacio de los museos y de las bienales, donde se genera otro de los dispostivos: la actitud de investigación, propia de las vanguardias de esa época pero con una inflexión particular y una persistencia mayor en el grupo brasileño.
Con las artes de las bienales -la pintura, la escultura, la arquitectura-, los poetas crean un espacio de diálogo y de performance: al sacar a la poesía de su lugar convencional, instauran un tercer dispositivo: el comienzo como dislocación. Los poemas visuales adquieren el formato propio de las artes plásticas y, colocados en las paredes de los museos, opacan el lugar de exposición tradicional y sus convenciones. Los manifiestos se publican en ad, revista de arquitectura y decoración. Y la poesía se presenta como planificación, diseño y construcción, categorías que la acercan a las artes visuales y a la poética de João Cabral de Melo Neto pero sobre todo a esa disciplina que en Brasil se había convertido en emblema de la tradición modernista: la arquitectura (de ahí el título del manifiesto de 1958: “plano piloto”).
Estos dispositivos (investigación sistemática, construcción de un linaje, dislocación discursiva) que funcionan en la textualidad de los concretos perduran, como una prolongación del legado vanguardista, aun en los escritos más recientes de Haroldo de Campos. Sin embargo, caería en una paradoja evidente si pretendiera que los núcleos de su obra se encuentran condensados, de una vez y para siempre, en los comienzos del concretismo. ¿Qué sucedería entonces con el barroco inicial de sus primeros poemarios? ¿Cómo se explicaría el componente evolutivo tan fuerte en la tradición modernista, componente constructivo y no orgánico es cierto, pero que de todos modos se abandona paulatinamente a lo largo de la década del 60? ¿Y cómo se entendería, finalmente, la existencia (cuanto más no sea teórica) de un proceso abierto, no clausurado, en el que predominan los desvíos y las discontinuidades? No hay en la obra de Haroldo de Campos, un comienzo que se despliega sino una pluralidad de comienzos: diferentes condiciones programáticas que marcan, cada vez, nuevos puntos de partida. Comienzo no es, aquí, simplemente la manifestación de un cambio o una transformación, es más bien la figura discursiva explícita con la cual se procesan las variaciones y los desplazamientos, las revisiones y los vínculos con el pasado.

La primera Bienal de artes visuales de Singapur SB2006 está dedicada al tema “Belief” (fe, creencia, convicción).
A través de una amplia selección de prácticas artísticas contemporáneas, incluyendo a artistas de Singapur y de otros países, la bienal se propone analizar las complejidades e implicaciones de estos cuestionamientos, refiriéndose también a la fe en relación al establecimento de valores en el arte contemporáneo y al sistema de arte en sí mismo.
El director artístico Fumio Nanjo, renombrado curador y crítico japonés y su equipo curatorial concibieron una Bienal para diversos lugares de exposición, entre ellos museos, espacios religiosos, instituciones públicas y edificios en desuso. El recorrido por la ciudad para acceder a estos lugares también forma parte del concepto. De esta manera se le brinda al público la posibilidad de percibir una de las características de Singapur, la de ser una ciudad con una sociedad multicultural en la que distintas religiones conviven en forma cotidiana. Varios de los espacios de exposición ofrecen además puntos de partida para una reflexión crítica sobre el papel que juega la arquitectura en la construcción de la fe y la ideología.
La Bienal coincide con el evento “Singapore 2006: Global City. World of Opportunities”, en el que Singapur juega el rol de anfitrión del Encuentro Anual del Directorio del Fondo Monetario Internacional y del Banco Mundial. El encuentro anual es un importante foro de cooperación internacional, en el que se reúnen representantes de 184 países miembros, para discutir el curso del desarrollo económico global y los desafíos que enfrenta el mundo actual.

CITY HALL

MUSEO NACIONAL

BIBLIOTECA NACIONAL

UNIVERSIDAD NACIONAL

Una Bienal como la de Venecia es una ocasión única para hacer balance de la dinámica del arte contemporáneo y, aún más, del estado del arte actual y de cómo enfrentan los artistas el comienzo del tercer milenio.
La Bienal de Venecia, un escaparate esencial para el arte contemporáneo, ha desplegado para la edición de este año dos magnas exposiciones, en las que conviven figuras ya consagradas en el panorama internacional de la creación plástica con los jóvenes autores de novísima generación. Sus obras, unas y otras, cuestionan intensamente cuestiones como el devenir incierto de nuestra sociedad. Por primera vez, la organización de la muestra veneciana se ha confiado a dos mujeres, las responsables de la selección de un grupo de artistas transgresores en sus propias disciplinas, que se caracterizan por subvertir lo políticamente correcto. La imagen en movimiento —vídeos, proyecciones, películas— se confirma como uno de los lenguajes privilegiados de los artistas de esta era.
Este año y por primera vez en 110 años, la dirección de la 51 bienal de Venecia ha sido confiada a un dúo de mujeres españolas. Las dos comisarías, figuras de reconocido prestigio en el mundo del arte, representan la encarnación del compromiso por la búsqueda de las expresiones artísticas más novedosas e inquietantes. María de Corral —que ha dirigido, entre otros notables encargos, el museo madrileño Reina Sofía— es la responsable del resultado final de La experiencia del arte, una muestra expuesta en el pabellón central de Los Giardini. Mientras que Rosa Martínez, ex directora de la Bienal de Barcelona y la actual responsable del Museo de Arte Moderno de Estambul, nos cita para ir Siempre un poco más lejos, la colección que se presenta en el pabellón del Arsenale, en la que nos habla de Corto Maltese, la figura del comic de idéntico nombre que creó Hugo Pratt, con toda su evocación del mito del viajero romántico, que se desborda a sí mismo para construir su propio destino. Símbolo que explora sin cesar los confines del mundo en que vivimos.
La extensión y número de participantes de las exposiciones internacionales de la Bienal de este año ha sido reducida considerablemente en comparación con la Bienal anterior.
En el 2003 eran 300 los artistas repartidos en las 10 exposiciones simultáneas. Mientras que desde hace varios años se discute en la escena internacional sobre el sentido de las Bienales y se cuestionan sobre todo las representaciones nacionales, creció este año una vez más ajeno a todo, el número de países y regiones, que estarán representados en Venecia con pabellones o exposiciones propias. Por primera vez están presentes Afganistán, Albania, Marruecos, Kazajstán, Kirguizistán, Uzbekistán y Bielorrusia.

LA EXPERIENCIA DEL ARTE
Curadora: María de Corral
42 participantes, Pabellón Italiano

SIEMPRE UN POCO MAS LEJOS
Curadora: Rosa Marti­nez
49 participantes, Arsenale

La Biennale di Venezia
Exposición Internacional de Arte

La Bienal de Venecia se inició en 1894 como una exposición internacional de arte en los Giardini di Castello.
Creada en 1893 e inaugurada oficialmente el 22 de abril del año siguiente, la Bienal se ha interrumpido solamente entre 1916 y 1918, y entre 1942 y 1948, a causa de las guerras. A la muestra de artes visuales, que la ha caracterizado hasta hoy, en 1930 la  institución organizadora pasó a ser autónoma, el Stato fascista agregó el festival de música, en 1932 cine, y teatro 1934, otorgándole entonces el carácter multidisciplinar que conserva hasta hoy. Como consecuencia de los incidentes políticos de 1968, fueron suspendidas algunas de las actividades tradicionales de la Bienal. En 1973 la institución es reformada, y desde 1975 se encarga también de la organización de exposiciones de arquitectura. En 1998 es establecido el nuevo estatuto.
Permite, también, sin lugar a dudas –y tal vez es lo más relevante para quien visita la muestra con un punto de vista centrado en el arte mismo–, evaluar la orientación que las técnicas y tecnologías, las formas, imágenes y temas van siguiendo en las artes visuales de este nuevo siglo.

Breve reseña de la Bienal de Venecia

1893 El Consejo de Venecia decide crear una exposición bienal de arte nacional.
1894 El 22 de abril se inaugura la Bienal.
1895 Comienza la construcción del Palazzo dell’Esposizione ai Giardini di Castello.
1907 Se construye el primer pabellón –de Bélgica– en el Jardín de la Bienal. Otros pabellones se construirán hasta 1914 (Hungría, Alemania, Francia y Gran Bretaña).
1920 Retrospectiva de Modigliani y presentación de la primera muestra de la vanguardia europea: impresionismo, postimpresionismo y expresionismo alemán se reúnen en esta versión de la Bienal.
1930 El Stato fascsista agrega el festival de cine, teatro y música.
1934 Se inaugura el Festival de Teatro di Prosa, bajo el alero de la Bienal.
1948 Luego del receso de entre 1939 y 1945, el evento vuelve con una extraordinaria retrospectiva de Picasso. Peggy Guggenheim exhibe su colección de arte contemporáneo en la casa Venier dei Leoni, actual sede del museo que lleva su nombre.
1955 En el festival de Música de la Bienal se premia la ópera Porgy and Bess de George Gershwin.
1958 En la muestra de arte joven y extranjero se destaca y se consagra a Jasper Johns.
1962 El Pop Art se instala en Europa. Robert Rauschenberg gana la Bienal y se convierte en el primer artista estadounidense al que se le otorga un Gran Premio Bienal de Venecia.
1968 La revuelta estudiantil que sacude a Europa dificulta la inauguración de esta versión y se decide suspender indefinidamente la entrega del Premio Bienal, que se repone recién en 1986.
1974 La Bienal se suspende por un año debido a un completo reordenamiento administrativo.
1974 y 1975 Tiene lugar el festival de teatro y cine de la Bienal bajo el título Libertà per il Cile (Libertad para Chile)
1980 Se abre una sección dedicada a la arquitectura.
1990 Se organiza una exposición en homenaje al escultor vasco Eduardo Chillida, a cargo del Comisario Achile Bonito Oliva.
1994 Con motivo de los cien años de la Bienal, se organiza una gran muestra en el Palazzo Grassi, cuyo comisario es Jean Clair.
1999 Gran reforma de la Bienal; se crea un nuevo espacio DMT (danza, música y teatro) y se reabre Arsenale. Comienzan a diferirse en un calendario anual las muestras de cine, arquitectura, artes visuales y DMT. Los eventos de la Bienal duran ahora todo el año.
2002 En febrero se organiza una muestra de medios de comunicación de masas, TV y cine, que recorre Bruselas y París.